Jak skomponować pracę. Podstawy muzyki

Jak skomponować pracę. Podstawy muzyki

Tworzenie muzyki lub kompozycji to proces twórczy, który powinien opierać się na teorii muzyki. Struktura pracy ma jasną logikę konstrukcyjną. Niektóre arcydzieła światowej klasyki są dosłownie obliczane matematycznie. Nie przypadkiem w starożytnej Grecji muzyka była częścią wielu nauk matematycznych.

Wielkim nieporozumieniem jest stwierdzenie, że wielcy kompozytorzy skomponowali własne dzieła pod wpływem inspiracji. Muzyczni geniusze: Bach, Haydn, Beethoven, Mahler, Rachmaninow codziennie przeznaczali czas na kompozycję.

Ta strona pomoże muzykowi nie tylko nauczyć się tworzyć profesjonalną muzykę, ale także pomóc zrozumieć podstawową terminologię, w szczególności używaną w analizie. Programy niezbędne do pisania nut zostaną rozłożone, zostaną zaproponowane ćwiczenia do opanowania techniki kompozycji i planowany będzie sposób komponowania utworu muzycznego.

Z czego jest zrobiona muzyka?

Ogólnie rzecz biorąc, muzyka jest sekwencją dźwięków w pewnym rytmie, który ma barwę emocjonalną. Najczęściej praca zawiera następujące elementy:

• Melodia

• Harmonia

• Formularz

Rozważ każdą koncepcję bardziej szczegółowo.

Jaka jest melodia

Melodia to monofoniczna myśl muzyczna. Istnieją zalecenia dotyczące struktury linii melodycznej:

• Zasada równowagi Nie przeciążaj linii melodycznej. Jeśli chcesz, aby słuchacz szybko zapamiętał materiał, należy przestrzegać zasady równowagi. Polega na komplementarności systemu rytmicznego i intonacyjnego. Jeśli wzorzec intonacji zawiera elementy, które trudno jest dostrzec, takie jak skoki w szerokich odstępach, obecność melizmatyki, odchylenia lub modulacje i inne czynniki komplikujące, wówczas należy zastosować prosty rytm. Jeśli melodia intonacji jest prosta, nagrywany jest bardziej złożony rytm.

• Zasada fali melodycznej. Doskonale postrzegana melodia, zbudowana na przemian ruchu w górę i w dół.

• Jedność intonacji. Motyw muzyczny może zawierać intonacje wiodące (interwały). Żywymi przykładami prac opartych na drugiej intonacji są Requiem Mozarta (Lacrimosa), główny temat części I II Koncertu fortepianowego Rachmaninowa.

Warto zauważyć, że melodia nie musi być wykonywana w górnych rejestrach, może być także w basie lub innym głosie.

Aby napisać naprawdę ekspresyjną i piękną melodię, potrzebujesz:

1. Przedstaw artystyczny obraz, który musi być ucieleśniony w muzyce. Zadaj sobie pytania: skład instrumentalny lub wokalny? Jaka postać? Wszystkie te pytania określą środki wyrazu. W jednej z części artykułu szczegółowo zbadano środki ekspresywności.
2. Improwizacja Graj więcej i słuchaj. Wielu muzyków znajduje doskonałą linię melodyczną tylko dzięki improwizacji. Najciekawsze opcje mogą nie pojawić się natychmiast.
3. Jeśli improwizacja jest trudna, spróbuj specjalnie skomponować kilka podobnych w emocjonalnych barwach. Nagraj je na magnetofonie lub w notebooku.
4. Zmień. Weź konkretny motyw swojej kompozycji, spróbuj zmienić w nim coś, na przykład jedną notatkę, fragment lub klucz. Słuchaj, stało się lepiej.
5. Analizuj inne prace. Zwróć uwagę na środki wyrazu używane przez kompozytora w melodiach, które lubisz. Pomoże to zrozumieć, co brzmi dobrze, a co złe.

Jeśli tworzysz klasyczną pracę, melodia musi zostać opracowana. Istnieje kilka sposobów rozwoju melodii:

1. Opracowanie umożliwia podzielenie tematu, a także jego sekwencję (Sekwencja - powtarzalne powtarzanie materiału muzycznego na innym poziomie boiska).
2. Polifoniczny oznacza użycie kanonicznej imitacji.
3. Wariacyjne pozwala na niewielkie zmiany w melodii, zachowując oryginalną harmonię i formę.
4. Metoda wariantowa opiera się nie tylko na zmianie melodii, ale także na harmonii, a zatem na formie łączącej intonację.
5. Transformacja gatunku pociąga za sobą zmianę podstawowego gatunku. Na przykład tematem był gatunek-dom i stał się chóralny.

Dzięki komplikacji tkaniny muzycznej pozwoliła na kombinację sposobów rozwoju. W muzyce instrumentalnej arpeggia, fragmenty i inne ogólne ruchy formy mogą być wykorzystane jako rozwój materiału, co pozwoli na zróżnicowanie kompozycji.

Harmonia

Harmonia pozwala łączyć dźwięki ze współbrzmieniem, które z kolei tworzą sekwencję. Akordy w tym sensie reprezentowane są przez interwały i akordy. Najczęściej harmoniczne zwoje w kompozycji są charakterystyczne dla akompaniamentu.

Mówiąc najprościej, akompaniament jest akompaniamentem do melodii. Teksturę definiuje się jako przestrzeń wypełnioną dźwiękami, które się rozwijają. W akompaniamencie istnieje kilka rodzajów rozliczeń:

1. Akord Podstawa akordów tekstur w rytmicznej prezentacji.
2. Figury. Są harmoniczne dźwięki grania akordów konsekwentnie i figuracje melodyczne - sekwencyjne odtwarzanie dźwięków akordów z dodatkiem dźwięków bez akordów.
3. Bas Albertieva rytmicznie równomiernie rozłożony bas. W niektórych przypadkach postrzegany jako ukryty dwugłos.
4. Polifoniczny lub polifoniczny ma kilka stosunkowo niezależnych głosów.

Zaleca się przepisywanie harmonicznych obrotów zaraz po melodii, w postaci cyfrowych aparatów fotograficznych. Ważne jest, aby pamiętać, że określone style historyczne charakteryzują się własnym rozmachem. Historycznie w tej nauce było kilka obszarów:

• Barokowy

• Klasyczny

• Romantyczny

• Impresjonizm

• Jazz

• Nowoczesny

Każdy obszar ma wiele reguł, których nie zaleca się łamać podczas pisania w tym stylu.

Forma i rola powtórzeń

Pamiętaj, aby zastosować się do formularza. Bez tego element się rozpadnie. Dla każdego rodzaju pracy istnieje pewna forma. Świat muzyki współczesnej może się pochwalić różnorodnością form, zarówno w muzyce wokalnej, jak i instrumentalnej. Najpopularniejsze modele to:

• Prosta dwuczęściowa składa się z dwóch wewnętrznych sekcji, podczas gdy w drugiej części powtarza się mały fragment pierwszego, który rozwija się inaczej.

• Prosty trzyczęściowy raport (da capo) składa się z trzech części. W tym przypadku drugi kontrastuje z pierwszym, trzeci jest powtórzeniem pierwszego.

• Sonata opiera się na tonalnym kontraście strukturalnie zaprojektowanych tematów ekspozycyjnych, rozwój odbywa się w sekcji projektowania, a tematy łączą się w repryzę.

• Wariacje - model zbudowany na wielokrotnej zmianie oryginalnego motywu.

• Zwrot i refren są używane w muzyce wokalnej.

Dozwolona jest synteza między formularzami..

Nie bój się kształtować powtórzeń. Myślenie osoby lepiej pochłania powtarzające się informacje. W muzyce klasycznej można znaleźć podobne użycie powtórzeń:

• Motyw przewodni jest używany do prac symfonicznych lub teatralnych z wyraźnym dramatem.

• Leitteme jest podmiotem działającym jako aktor.

• Powtarzanie kształtujące charakterystyczne dla niektórych modeli kompozytorskich.

We współczesnej muzyce popularnej kompozytorzy aktywnie korzystają z powtórzeń. Tak więc refren zapisuje muzykę i tekst. W wersetach zmieniają się tylko słowa. Muzyka elektroniczna jest również wypełniona powtórzeniami, przykładem jest kompozycja wykorzystująca próbki.

Dramat

Muzyka odnosi się do wielu sztuk, które powinny wywoływać emocjonalną reakcję słuchacza. W przeciwnym razie kompozycja muzyczna nie będzie popularna. Przy komponowaniu piosenki ważne jest, aby pamiętać rolę dramaturgii. Istnieje kilka opcji dramatycznego rozwoju:

1. Tragiczna koncepcja ma konflikt

2. Teksty kontemplacyjne nie mają konfliktu, przeważają zasady estetyczne.

Każda z tych opcji ma niezliczone podkategorie, więc nie będziemy się nad nimi szczegółowo zastanawiać. Ważne jest, aby zrozumieć, że w obu przypadkach musi nastąpić kulminacja. Istnieje kilka odmian kulminacji, w zależności od lokalizacji w kompozycji:

1. Top-source jest na początku. Charakterystyczne dla utworów lirycznych.

2. Środek lub punkt złotej sekcji jest najbardziej popularny w pracach romantyków, więc pozwala stworzyć atmosferę napięcia.

3. Górny horyzont znajduje się na końcu utworu. Pozostawia słuchacza poczucie niedopowiedzenia, niekompletność. Ma silny efekt emocjonalny.

Punktem kulminacyjnym utworu muzycznego są następujące funkcje:

• Rozszerzenie zakresu melodii (zwykle najwyższy dźwięk w całej pracy)

• Pieczęć faktury

• Zwiększona dynamika

Kompozytor musi koniecznie przemyślać kulminacje. W jednej pracy może być kilka punktów kulminacyjnych. Jeśli esej zawiera kilka instrumentów, to z punktu widzenia sztuki dramatycznej konieczne jest ich stopniowe wprowadzanie, aby nie przeciążać tekstury.

Środki wyrazu

Po stronie treści kompozycji można spersonalizować środki ekspresji. Obejmują one:

• Tonalność silnie wpływa na pracę, niektóre tonacje w muzyce klasycznej mają swoje znaczenie. Na przykład: Des-dur jest wyrazem prawdziwej miłości.

• Lad Najpopularniejszymi są major, który jest używany do wyrażania lżejszych i lirycznych obrazów, a mniejszy z bardziej dramatycznym odcieniem.

• Obecność melismatiki lub jej brak.

• Włączenie symboli muzycznych. Szczególnie charakterystyczny dla kompozycji w stylu barokowym.

• Barwy instrumentalne. Każda barwa ma swój własny kolor i zakres, w którym brzmi najskuteczniej.

Podczas komponowania utworu konieczne jest eksperymentowanie ze środkami wyrazu, zmiana tonalności, tryb, dodawanie lub usuwanie melisma.

Ćwiczenie

Istnieje szereg ćwiczeń i zadań, które pomogą opanować kompozycję:

1. Analiza dzieł innych kompozytorów. Zanim napiszesz pracę w określonym stylu, musisz przyjrzeć się temu, jak robią to profesjonaliści. Wybierz dla siebie najbardziej udane techniki i spróbuj zastosować je w praktyce.

2. Wybierz tekst lub wiersz o jasnej kolorystyce emocjonalnej. Analizuj. Spróbuj improwizować, odtwarzając atmosferę w tekście. To samo można zrobić za pomocą artystycznych obrazów w malarstwie.

3. Wybierz konkretny formularz i spróbuj wpisać w nim wszystkie zasady.

4. Zagraj w skale, pasaże, akordy, spróbuj modulować. Wszystkie umiejętności praktyczne przydadzą się podczas komponowania.

5. Zaangażuj się w wybór innych utworów muzycznych, da ci podstawę do stworzenia muzycznego ucha, a także poprawi technikę gry na instrumencie.

6. Popraw swoją wiedzę na temat teorii muzyki.

Programuje zestaw nut podczas komponowania kompozycji muzycznych

Sibelius 8 jest jednym z najlepszych redaktorów muzycznych, którzy sprawdzili się na globalnym rynku oprogramowania dla profesjonalnych muzyków, kompozytorów i aranżerów.

Funkcjonalność tego programu obejmuje:

• Duży zestaw wbudowanych szablonów.
• Możliwość ustawiania znaczników strony
• Dostępność niezbędnych narzędzi
• Kilka wygodnych sposobów ustawiania notatek
• Dostępna funkcja MIDI
• Możesz słuchać piosenki
• Stałe aktualizacje

Sibelius to przydatny program zarówno dla początkujących kompozytorów, jak i profesjonalistów.

Podobna funkcjonalność to MuseScore 2.

Uwaga: w wielu nowoczesnych edytorach muzycznych istnieje funkcja do słuchania odebranego tekstu, ponadto możesz zapisać plik jako nagranie audio w różnych formatach. Jedyną wadą takich nagrań dźwiękowych jest słaba jakość dźwięku, która nie przenosi barwy. Jeśli więc autor chce uzyskać dźwięk najwyższej jakości, musisz użyć specjalistycznego oprogramowania do nagrywania, takiego jak FL Studio 12, Mixcraft 8 lub Audacity. Nagrywanie można wykonywać zarówno na wirtualnych instrumentach, jak i za pomocą klawiatury MIDI.

Podsumowanie: Plan składu

Muzyka instrumentalna:

1. Improwizacja i kompozycja melodii;
2. Analiza natury melodii;
3. Wybór formy muzycznej zdolnej do wyrażenia charakteru melodii;
4. Rozwój dramatu: kulminacja;
5. Wyodrębnij prędkość harmoniczną na wybranej fakturze. Jeśli to konieczne, włączenie odchyleń, modulacji;
6. Organizowanie lub instruowanie (w razie potrzeby);
7. Krytyczne spojrzenie na pracę;
8. Regulacja (jeśli to konieczne).

Muzyka wokalna:

1. Wybór wiersza lub tekstu;
2. Wybór formy muzycznej;
3. Analiza nastroju tekstu;
4. Definicja szczytów w tekście;
5. Pisanie melodii wokalnej;
6. Tworzenie zgrubnego planu harmonicznego;
7. Wybór tekstury odpowiadającej treści;
8. Wyodrębnij momenty kulminacyjne w muzyce;
9. W razie potrzeby układ;
10. Widok krytyczny (odtwarzaj utwór po chwili);
11. Dostosowanie.

Mam nadzieję, że artykuł pomógł ci zrozumieć jak skomponować utwór muzyczny. Wypróbuj to. Popraw swoje umiejętności komponowania. Szukaj indywidualnego stylu. Życzymy udanego sukcesu!