V.A. Symfonia Mozarta nr 40
Jednym z najbardziej przenikliwych i znanych utworów instrumentalnych, skarb muzyki klasycznej jest symfonia nr 40 Mozarta. Wchodzi w tryptyk symfoniczny, napisany jednym tchem latem 1788 roku. 39, 40 i 41 („Jupiter”) Symfonie uosabiają dojrzałe myślenie muzyczne kompozytora, jednocześnie kontynuują tradycje Bacha i Haendla i antycypują duchowy liryzm romantyków.
40. Symfonia jest jedną z najbardziej niezrozumiałych prac, a jednocześnie jest zrozumiała dla wszystkich na pewnym poziomie osobistym. Zawiera głęboki, rozwinięty dramat operowy i subtelny psychologizm tkwiący w języku Mozarta, motyw czeskiego tańca ludowego i wyrafinowany wyuczony styl.
Joseph Haydn, najlepszy przyjaciel Mozarta, jego starszy towarzysz, wspierający wszystko, mówił o emocjonalnej naturze muzyki Wolfganga: „Jest tak oświecony w dziedzinie ludzkich uczuć, że wydaje się, że jest ich twórcą, a potem ludzie opanowali to uczucie”.
Historia 40. Symfonii Mozarta i treść tej pracy można znaleźć na naszej stronie.
Historia stworzenia
Historia nie zachowała dokumentów, z których można by ocenić pomysł stworzenia wszystkich 3 symfonii, które wyszły z pióra Mozarta tego lata. Nie zostały napisane na zamówienie. Prawdopodobnie autor planował ich wykonanie jesienią i zimą podczas tzw. „Akademii”. W tym okresie życia kompozytor był już bardzo potrzebny i miał nadzieję zarobić na koncertach „przez subskrypcję”. Jednak marzenia się nie spełniły, koncerty nigdy nie zostały podane, a symfonie były wykonywane podczas życia autora.
Wszystkie zostały napisane w możliwie najkrótszym czasie, godne uwagi jest lato. Uczniowie odeszli, Konstanca w Badenii. Wolfgang nie jest ograniczony zakresem zamówienia, ale może tworzyć dowolnie, ucieleśniając wszelkie zamiary artystyczne.
A Mozart, jako prawdziwy innowator, wziął tę wolność wyboru z należytym szacunkiem. Sam gatunek symfoniczny zniknął z małego muzycznego wygaszacza ekranu zaprojektowanego, aby powiedzieć publiczności, że opera się rozpoczyna, i nadszedł czas, aby przestać mówić, do osobnego utworu orkiestrowego.
Pracując nad symfonią g-moll, Mozart znacznie rozszerza dramatyczne granice gatunku. Ojciec, Leopold Mozart, od dzieciństwa zainspirował, że podstawą każdej pracy powinna być wysoka koncepcja, idea, technika jest drugorzędna, ale bez niej cała koncepcja nie jest warta ani grosza. Po raz pierwszy w tej symfonii Wolfgang pozwala sobie na komunikację ze słuchaczem, szczerze opowiada „bez zbędnych słów”, a nawet gdzieś intymną spowiedź. Taki sposób zasadniczo różnił się od zimnego koncertu i akademickiego charakteru, przyjętego w tym czasie i zrozumiałego dla publiczności w tamtym czasie.
Dzieło to zostało naprawdę docenione dopiero w XIX wieku, kiedy symfonie Beethovena i Schumanna zostały już w pełni wykonane, kiedy subtelny romantyzm Chopina stał się nawykiem.
Wybór mniejszego klucza, odrzucenie powolnej części wprowadzającej natychmiast odejdzie od gatunku rozrywki do nieznanego. Nie ma powagi, nie ma sensu świętowania w orkiestrze (w orkiestrze nie ma trąbek i tubali), nie ma „masy”, pomimo dźwięku orkiestrowego. Symfonia, pełna niespokojnych zmian nastrojów i tematów, kontrastów i fuzji, opowiada o głębokich osobistych doświadczeniach człowieka, dlatego niezmiennie znajduje odpowiedź w duszy każdego słuchacza. Jednocześnie pozostaje ogólny delikatny i dzielny styl odpowiadający temu wiekowi.
Krótko przed śmiercią, 3 lata po stworzeniu, Mozart wprowadził zmiany do partytury, wprowadzając klarnet do kompozycji orkiestrowej i nieznacznie edytując partię oboju.
Nowoczesne przetwarzanie
Najbliższa oryginalnej interpretacji jest uważana za symfonię g-moll takich dyrygentów jak Trevor Pinnock, Christopher Hogwood, Mark Minkowski, John Eliot Gardiner, Roger Norrington, Nikolaus Arnoncourt.
Istnieje jednak wiele nowoczesnych metod leczenia tej pracy:
The Swingle Singers - niezwykłe wykonanie utworu symfonicznego słynnego zespołu wokalistów. (słuchaj)
Wersja niemieckiego muzyka, aranżera i producenta muzycznego Anthony'ego Ventury. (słuchaj)
Francuski gitarzysta Nicolas de Angelis (posłuchaj)
Waldo De Los Rios jest argentyńskim kompozytorem, dyrygentem i aranżerem. Jego leczenie zostało nagrane w 1971 roku przez orkiestrę Manuela de Falli i zajęło pierwsze miejsce na holenderskich listach przebojów, a także weszło do pierwszej dziesiątki w kilku innych krajach europejskich. (słuchaj)
Treść
Nie można ustalić dokładnej liczby symfonii napisanych przez Mozarta, wiele z nich napisanych w okresie dojrzewania jest utraconych na zawsze (przybliżona liczba około 50). Ale w mniejszym tylko dźwięki Fortieth (i drugi, nr 25, w tym samym kluczu).
Symfonia jest tradycyjna na ten czas. 4 formularz prywatnyjednak nie ma wstępu, zaczyna się natychmiast główna impreza, co nie jest typowe dla kanonu tamtych czasów. Melodia głównej części jest najpopularniejszym motywem na całym świecie, rodzajem wizytówki kompozytora. Gra poboczna, w przeciwieństwie do tradycji, nie gra w ostrym kontraście, ale brzmi bardziej ospale, tajemniczo i jasno (dzięki majorowi). Sonata allegro pierwszej części jest prawie w trakcie rozwoju: solo skrzypiec głównej części, rytm segregatora, lekkie oświecenie dęte drewniane (oboje, klarnety) części wtórnej, wszystko to nabiera jasnego rozwoju i w ostatniej części pojawia się konflikt, który tylko wzrasta wraz z napięciem . Reprise nie pozwala na rozwiązanie tego konfliktu, nawet drugorzędna strona zyskuje mniejszy charakter. Ogólny dźwięk staje się nawet ponury, przypomina frustrację, niedorzeczność impulsów, niepohamowane cierpienie.
Druga część, jak spokój po burzy, wykonywany w spokojnym tempie (andante), spokojny i kontemplacyjny charakter. Pojawia się pacyfikacja, melodia staje się melodyjna, nie ma już kontrastów. Dźwięk symbolizuje światło i umysł. Ogólną formą tej części jest ponownie sonata, ale z powodu braku sprzeciwu wobec wiodących tematów, jest ona postrzegana jako rozwój. Tkanka muzyczna, w tym kilka semantycznych zwrotów, ciągle się rozwija, osiągając słodko-senny punkt kulminacyjny w rozwoju i akceptacji repryzy. Niektóre krótkie frazy oddechowe są podobne do duszpasterskiej natury.
Pomimo nazwy Trzecia część - Menuetto („Menuet”), to wcale nie jest taniec. Trzyczęściowy rozmiar raczej podkreśla marsz i surowość dźwięku. Twarde, uporczywe powtarzanie rytmicznej figury budzi niepokój i strach. Niczym nieodparte mocarstwo, zimne i bezduszne, grozi kara.
Temat tria odchodzi od złowieszczych zagrożeń menueta, a nawet w pewnym stopniu zbliża się do menueta tańca lekkiego. Melodia, brzmiąca G-dur, jest jasna, słoneczna, ciepła. Wyróżniają go skrajne, ostre części, które dzięki temu kontrastowi zapewniają jeszcze większą wyrazistość.
Powrót do G-moll wydaje się powracać do teraźniejszości, wyrywając go ze snów, wyrywając go z upajającego snu i przygotowując dramatyczny finał symfonii.
Ostatnia czwarta część („Allegro assai”) jest napisany w formie sonatowej. Absolutna dominacja głównego tematu, grana w szybkim tempie, jakby zamiatała na jego ścieżce melodie i frazy łączących, pobocznych tematów, które pojawiają się tu i tam. Rozwój szybko się rozwija. Energetyczna natura muzyki zmierza do dramatycznego punktu kulminacyjnego całej pracy. Jasny kontrast między tematami, rozwój polifoniczny i harmoniczny, apele między instrumentami - wszystko pędzi w kierunku nieuniknionego finału z nieograniczonym przepływem.
Ten dramatyczny rozwój obrazów podczas całej pracy jest charakterystyczną cechą Mozarta, wyróżniającą jego symfonię.
Geniusz Mozart w tej symfonii ucieleśniony i jednocześnie stał się nieśmiertelny. Naprawdę nie ma innej symfonii, którą można by porównać z popularnością. Podobnie jak uśmiech Giocondy, prostota kryje zbyt wiele tajemnic, które ludzkość może rozwikłać przez wieki. W kontakcie z takimi dziełami myślisz, że sam Bóg rozmawia z człowiekiem dzięki talentowi swego wybranego.
Mamy przyjemność zaoferować Państwu orkiestrę symfoniczną na wykonanie „Symfonii nr 40” podczas waszego wydarzenia.
Zostaw Swój Komentarz