Analiza pracy literatury muzycznej

W ostatnim artykule rozmawialiśmy o tym, jak sortować sztuki przed wprowadzeniem ich do pracy w klasie w ich specjalności. Link do tego materiału znajduje się na końcu tego posta. Dziś uwaga skupi się również na analizie dzieła muzycznego, ale będziemy przygotowywać się do lekcji literatury muzycznej.

Najpierw podkreślamy pewne ogólne zasady, a następnie rozważamy cechy analizy niektórych rodzajów kompozycji muzycznych - na przykład oper, symfonii, cyklu wokalnego itp.

Tak więc za każdym razem, gdy analizujemy dzieło muzyczne, musimy przygotować odpowiedzi na co najmniej następujące punkty:

dokładna pełna nazwa kompozycji muzycznej (plus tutaj: czy istnieje program w formie tytułu lub wyjaśnienia literackiego?);
nazwiska autorów muzyki (kompozytor może być jednym, a może być kilka, jeśli kompozycja jest zbiorowa);
nazwiska autorów tekstów (w operach kilka osób często pracuje nad librettem, czasem sam autor może działać jako autor tekstu);
w jakim gatunku muzycznym jest napisane dzieło (opera lub balet, symfonia lub co?);
miejsce tej pracy na skalę całej pracy kompozytora (czy autor ma inne prace w tym samym gatunku i jak dana praca odnosi się do tych innych - czy może być innowacyjna, czy może jest to szczyt kreatywności?);
czy dana praca opiera się na oryginalnym źródle nie-muzycznym (na przykład jest napisana zgodnie z fabułą książki, wiersza, obrazu lub pod wrażeniem wydarzeń historycznych itp.);
ile części w pracy i jak każda część jest zbudowana;
personel wykonawczy (na jakie instrumenty lub głosy jest napisane - na orkiestrę, na zespół, na klarnet solo, na głos i fortepian itp.);
główne obrazy muzyczne (lub postacie, bohaterowie) i ich motywy (oczywiście muzyczne, to samo).

Przejdziemy teraz do funkcji, które odnoszą się do analizy utworów muzycznych poszczególnych typów. Aby nie być silnie rozproszonym, zatrzymajmy się na dwóch przypadkach - operze i symfonii.

Cechy analizy opery

Opera jest dziełem teatralnym, a zatem w dużej mierze podlega prawom sceny teatralnej. W operze jest prawie zawsze fabuła, przynajmniej w minimalnej ilości jest dramatyczna akcja (czasami daleko od minimum, ale w bardzo przyzwoitym). Opera wystawiana jest jako spektakl, w którym występują aktorzy, samo przedstawienie podzielone jest na działania, obrazy i sceny.

Tak więc należy to wziąć pod uwagę analizując kompozycję operową:

połączenie libretta operowego ze źródłem literackim (jeśli takie istnieje) - czasami różnią się one i dość mocno, a czasem tekst oryginalnego źródła wchodzi do opery w niezmienionej formie w całości lub we fragmentach;
podział na działania i zdjęcia (liczba tych i innych), obecność takich części jak prolog lub epilog;
struktura każdej akcji jest zdominowana przez tradycyjne formy operowe (arie, duety, chóry itp.), podobnie jak kolejne liczby, lub działania i obrazy są scenami przekrojowymi, których zasadniczo nie można podzielić na oddzielne liczby;
aktorzy i ich głosy śpiewające - to po prostu musi wiedzieć;
jak ujawniają się obrazy głównych aktorów - gdzie, w jakich akcjach i obrazach uczestniczą i co śpiewają, jak są przedstawiane muzycznie;
podstawa dramaturgiczna opery - gdzie i jak rozgrywa się fabuła fabuły, jakie są etapy rozwoju, w jakim działaniu i w jaki sposób powstaje wynik;
numery orkiestry operowej - czy jest to uwertura czy wstęp, a także przerwy, intermezzo i inne orkiestrowe epizody czysto instrumentalne - jaką rolę odgrywają (często są to obrazy muzyczne, które wprowadzają w życie - na przykład muzyczny krajobraz, wakacyjny obraz, żołnierz lub żałobny marsz i itp.);
jaką rolę odgrywa chór w operze (na przykład komentuje akcję lub pojawia się tylko jako środek pokazujący domowy styl życia, czy artyści chóru wypowiadają ważne uwagi, które silnie wpływają na ogólny wynik akcji, lub chór nieustannie coś chwali lub ogólnie sceny chóralne) nie ma opery itp.);
czy są jakieś występy taneczne w operze, w jakich akcjach i jaki jest powód wprowadzenia baletu do opery;
czy w operze są jakieś motywy przewodnie - czym są i co charakteryzują (każdy bohater, jakiś przedmiot, jakieś uczucie lub stan, jakieś zjawisko naturalne lub coś innego?).

Nie jest to pełna lista tego, co należy znaleźć, aby analiza dzieła muzycznego w tym przypadku była kompletna. Skąd mamy odpowiedzi na wszystkie te pytania? Przede wszystkim w clavier opery, czyli w jej tekście muzycznym. Po drugie, możesz przeczytać krótką wypowiedź libretta operowego, no i po trzecie, wiele można łatwo znaleźć w książkach - czytaj podręczniki z literatury muzycznej!

Cechy parsowania symfonii

W porównaniu z operą symfonia jest pod pewnymi względami prostsza. Sam materiał muzyczny jest tutaj kilkakrotnie mniejszy (opera trwa 2-3 godziny, a symfonia 20-50 minut) i nie ma aktorów z ich licznymi motywami przewodnimi, które trzeba próbować odróżnić od siebie. Ale analiza muzyki symfonicznej wciąż ma swoje własne cechy.

Z reguły symfonia składa się z czterech części. Istnieją dwa warianty sekwencji części w cyklu symfonicznym: zgodnie z typem klasycznym i zgodnie z typem romantycznym. Różnią się pozycją części wolnej i tak zwanej części gatunkowej (w klasycznych symfoniach menueta lub scherza, w romantycznym - scherzo, czasem walca). Spójrz na schemat:

Nawiasy na diagramie wskazują typowe formy muzyczne dla każdej z tych części. Ponieważ dla pełnej analizy dzieła muzycznego konieczne jest określenie jego formy, zapoznaj się z artykułem „Podstawowe formy utworów muzycznych”, którego informacje powinny ci pomóc w tej sprawie.

Czasami liczba części może być różna (na przykład 5 części w Fantastycznej symfonii Berlioza, 3 części w Boskim wierszu Skriabina, 2 części w Niedokończonej Symfonii Schuberta, są partie symfoniczne - na przykład 21. symfonia Myaskovsky'ego) . Są to oczywiście cykle niestandardowe i zmiana liczby części w nich spowodowana przez pewne cechy artystycznej intencji kompozytora (na przykład zawartość programu).

Co jest ważne przy analizowaniu symfonii:

określić rodzaj cyklu symfonicznego (klasyczny, romantyczny, a nawet jakiś szczególny);
określić podstawową tonalność symfonii (zgodnie z pierwszą częścią) i tonalność każdej części osobno;
scharakteryzować treści graficzne i muzyczne każdego z głównych tematów pracy;
określić kształt każdej części;
w formie sonatowej określ tonacje głównej i bocznej części ekspozycji i powtórz, i szukaj różnic w brzmieniu tych części w tych samych sekcjach (na przykład główna część może zmienić swój wygląd na nierozpoznawalny przez nierozpoznawalność);
znaleźć i być w stanie pokazać powiązania tematyczne między częściami, jeśli istnieją (czy istnieją tematy, które przechodzą z jednej części na drugą, jak się zmieniają?);
analizować orkiestrację (są wiodącymi barwami - instrumenty smyczkowe, dęte drewniane lub miedziane?);
określić rolę każdej części w rozwoju całego cyklu (która część jest najbardziej dramatyczna, która część jest prezentowana jako teksty lub medytacje, w których częściach jest rozproszenie innych tematów, który wynik jest podsumowany na końcu?);
jeśli w utworze znajdują się cytaty muzyczne, określ, jakie są cytaty; i tak dalej

Oczywiście możesz kontynuować tę listę w nieskończoność. Konieczne jest, aby móc powiedzieć o pracy przynajmniej najprostsze, podstawowe informacje - to jest lepsze niż nic. Najważniejszym zadaniem, które musisz ustawić dla siebie, niezależnie od tego, czy zamierzasz przeprowadzić szczegółową analizę utworu muzycznego, czy nie, jest bezpośrednia znajomość muzyki.

Podsumowując, zgodnie z obietnicą, podajemy link do poprzedniego materiału, gdzie była kwestia przeprowadzenia analizy. Oto artykuł - „Analiza utworów muzycznych w specjalności”